JAZZ
EN EL TAMBO Sexta Edición (2001)
La información de fechas e intérpretes aquí presentada, así como los datos biográficos de los músicos, fue tomada del programa que figura en la dirección de arriba. Se recomienda consultar ahí el resto de temas, como ser ubicación, facilidades, precios, otras actividades, etc.
He asistido a las ediciones 1999 y 2000 del Festival (Cuarta y Quinta edición respectivamente) y me he vuelto un incondicional "recomendador" del mismo. La cantidad y calidad de los músicos que han dado vida a las distintas ediciones es sencillamente de no creer. Guardo emotivos recuerdos de grandes figuras como McCoy Tyner, Chico Hamilton, James Moody, Steve Turré, Danilo Perez, el mismo Paquito d'Rivera, sólo por nombrar un pequeñísimo numero de músicos famosos.
Cada verano aguardo con entusiasmo el momento de inicio del Festival. Disfruto de sus prolegómenos, de sus entreactos, del ambiente amable. Agradezco además la oportunidad de hacer nuevos amigos con gustos afines, algunos músicos, otros, como yo, "escuchantes".
En fin, el Festival de Jazz en el Tambo Lapataia le da un nuevo sentido a mis vacaciones, ya que coincide con la época del año en que puedo alejarme de mis actividades profesionales y educativas y dedicarme a un poco de ocio.
Algunos de mis amigos me indican que Punta del Este es un lugar "caro" para estar. Yo, particularmente aprovecho el verano para hacer camping y muy cerca de Lapataia hay uno bastante bueno y que mantiene mi presupuesto en su lugar.
Debo agregar además que "amo" a Uruguay, a su gente cordial y a sus lugares hermosos.
Si Ud. desea preguntarme sobre el tema, no dude en enviarme un E-Mail.
Alberto Varela
albertovarela@yahoo.com
http://varelasite.com.ar
Buenos Aires, Argentina,
17 de Noviembre de 2000.-
Jueves 4 de enero de 2001
"La noche de Brasil"
Cesar Camargo Mariano - Romero
Lubambo
Sivuca e Banda
Joyce e Banda
Claudio Roditi
Paquito d'Rivera
"Homenaje a Gershwin"
Dave Samuels y el Ensamble
de Percusión de Montevideo Perceum
Roy Haynes Trio con Danilo Perez
y Christian McBride
Paquito d'Rivera Quintet
Dave Samuels
Dave Valentin
Brenda Feliciano
Midon
Cedar Walton Trio con David
Williams y Alvin Queen,
invitado especial Johnny Griffin
Kenny Garrett Quartet
Nicholas Payton Quintet
"Homenaje a AstorPiazzolla" tango-jazz
Pablo Ziegler Quintet for new tango
Paquito d'Rivera
Joe Lovano
Dave Samuels
Kenny Barron Trio con Lewis
Nash y Rufus Reid
"Homenaje a Dizzy"
Paquito d'Rivera
Jon Faddis
Nicholas Payton
Claudio Roditi
Slide Hampton
Ed Cherry
John Lee
Kenny Barron
Lewis Nash
Johnny Griffin
Nunca había estudiado música pero a los 13 años sus padres compran un piano y él empieza a tocar de oído, como si lo hubiera hecho siempre. Nueve meses después es convidado por la trombonista norteamericana Melba Liston a participar en un concierto suyo en un club de jazz de Río de Janeiro. El paso siguiente parece cantado: lo llaman de radio Globo y lo presentan como "el niño prodigio del jazz". Ese mismo año conoce a Johnny Alf y empieza su formación cultural. El resto es conocido por todo Brasil. Es un joven de dotes sorprendentes que imita a Nat King Cole tan bien que cole lo invita a presentarse en un show con él en Nueva York. Toca en la orquesta de William Furneaux, forma un cuarteto con el bajo Theo de Barros, la trompeta de Flavio Abbatepietro y la batería de José Luis Schiavo y se radica en San Pablo. Enrico Simonetti lo entusiasma para concretar "Tres Américas", el grupo de baile más grande Brasil en la década del Sesenta. Cuando integra el "Cuarteto Sabá", César Camargo está en el medio de la naciente Bossa Nova. Con Airto Moreira y Humberto Clayber en la "Sambalanco Trio" actúa en "Joao Sebastiao Bar" el templo de ese movimiento musical. Tiene una exitosísima relación con el norteamericano Lennie Dale y con Solano Ribeiro. Es el productor, arreglador y director musical de Wilson Simonal, hace lo mismo con Elis Regina durante diez años y 14 discos. Sus espectáculos musicales duran meses en los teatros de Brasil. Graba la música de "Eu Te Amo", un film de Arnado Jabor. Después lo repetirá para Bruno Barreto. A lo largo de los Ochenta es el productor y arreglador de Gal Costa, Maria Bethania, Simone y Rita Lee, entre otro pero al mismo tiempo cuida su carrera de solista. Viaja a Los Ángeles y realiza una brillante carrera. Vuelve a Brasil, graba, trabaja para la televisión, revaloriza su carrera de pianista. En el 97 regresa a los Estados Unidos, toca con John Patitucci, forma un cuarteto con Lubambo, Trafersa y Walker, actúa en Montreux, se mueve entre USA y Brasil, trabaja en el Carnegie Hall. Es la incansable música de Brasil en el mundo entero.
Estuvo en el Tercer Festival y demostró las razones de su fama neoyorkina. Regresa para actuar como una de las figuras centrales de "La noche de Brasil" que ha tenido la feliz idea de organizar Pluna/Varig y repetir los asombros que despertó en su anterior Noche de Guitarras en El Sosiego. Nacido en 1955 en Río de Janeiro, es el guitarrista preferido de Wynton Marsalis y según los críticos uno de los solistas más brillantes del mundo del jazz, hoy día. Para el conocido crítico Mark Holston su creatividad y energía no tienen par. Formado en la música clásica de la Escuela de Villalobos, es rápidamente capturado por la fascinación del jazz y entre 1980 y 1985 actúa con Leny Andrade, Hermeto Pascoal y Rildo Hora, entre otros. Ese año abandona Brasil para instalarse en Nueva York y la primera instancia lo sorprende durante cuatro años junto a Astrud Gilberto. Desde su arribo a USA ha actuado y grabado con Herbie Mann, Billy Cobham, Dory Caymmi, Larry Coryell, Eliane Elias, Flora Purin y Airto, Paquito D’Rivera, Harry Belafonte, Jon Hendricks y Grove Washington Jr. Entre sus atmósferas acústicas de la bossa nova (junto a Gilberto), sus exploraciones del choro y el tango (con el pianista David Chesky) y el aire sofisticado en la jazz line de Paquito D’Rivera y Herbie Mann, Romero Lubambo es una de las personalidades más sugestivas de la música actual.
Estará en "La gran noche de Brasil de Pluna" junto a Romero Lubambo y César Mariano Camargo, en presentación especial que cerrará "Joyce" con su banda. Sin Sivuca hubiera sido una jornada menos rica y seguramente menos auténtica. Este acordeonista que usa un acordeón que en vez de teclado tiene botones, aunque también usa el tradicional, gusta decir que es un sanfoneiro porque 40 millones de brasileños del Nordeste llaman sanfona a su instrumento y el es nordestino. De los acordeonistas, "gaiteros", bandoneonistas y "sanfoneiros" que tocan en la gigantesca geografía del Brasil ninguno tiene el nivel y el sabor autóctonos de Sivuca. Con más de 50 discos en su país, en Japón, en los Estados Unidos, Canadá, Francia, Suecia, Dinamarca, Italia, Alemania y hasta Africa del Sur su carrera ha sido un orgullo nacional. El toca ritmos nordestinos, jazz, chorinho, samba, ritmos gauchos, frevo, bossa nova, folklore africano y música erudita con la misma pasión. Nacido en 1930 en Paraiba pasa por ser un extraordinario narrador de historias y un personaje pintoresco. En los años 50 empezó a construír su fama en Río, luego hacerse notorio con Nelson Ferreira. En Pernambuco y ya en 1958 inició sus interminables giras al exterior. Ha hecho shows, compuesto y grabado con y para las grandes figuras brasileñas desde Waldir Azevedo y Carmen Costa hasta Nara Leao y Chico Buarque. Pero también se ha lucido en Italia con el "Moto Perpetuo" de Paganini, una pieza escrita originalmente para violín y piano. Cuando toca Sivuca, se sabe, hay que estar preparado para todo y en primer lugar para vivir la música como una gran fiesta.
A nadie han elogiado tanto. Caetano Veloso dice que ella es maravillosa cantando bossa-nova. Antonio Carlos Jobim la califica como una de las mayores cantantes de todos los tiempos. "Le Monde" apunta a otra vertiente suya: "es una de las compositoras brasileñas más influyentes de la actualidad", dice. Hablan de Joyce, la carioca que en 32 años de carrera ha compuesto más de 200 temas que en su país han grabado desde Gal Costa a María Bethania, desde Milton Nascimento a Chico Buarque, desde Ney Matogrosso a Nana Caymmi, desde Elizeth Cardoso a Simone. Y en el exterior desde Gerry Mulligan para abajo. Ella fue la primera voz que implantó el lenguaje femenino al cantar en primera persona, abriendo el camino expresivo a múltiples creadoras. Sus composiciones fueron el fondo musical de "El jugador" de Robert Altman, aunque su vinculación con el cine ha sido mucho más vasta. Actualmente es una figura internacional que se mueve en el circuito Blue Note de Japón y las giras por Europa y los Estados Unidos. En el 97 inició una nueva fase de trabajo y lanzó su primer libro de crónicas, con fotografías sacadas por ella, sobre lo que sucedió en la música popular brasileña de los últimos 30 años, entre bastidores. Cada vez más inserta en la multimedia empezó grabaciones para televisión en el 98 con una serie "Cantos de Río" que muestra a los cantantes de esa ciudad. Escribe semanalmente una columna en "0 Día" y sus más recientes lanzamientos incluyen un CD en homenaje a Elis Regina llamado "Astronauta: Canciones de Elis", una co-producción entre varios países; "Hard Bossa" hecho en Londres y "Tudo bonito" con participación especial de Joao Donato hecho en Japón. Se la anuncia como una de las grandes revelaciones –para el Río de la Plata de "La Nocha de Brasil/Brazil" que ha sido organizado por Pluna/Varig.
Integrante de unas de las vertientes post-pop de la música de Brasil es uno de los ejes musicales del frente tropical que integran la verdad del jazz. Paquito D’Rivera fue uno de sus apoyos cuando llegó a Nueva York y desde entonces la vinculación persiste y durante años fue un miembro de la Dizzy Gillespie’s United Nation Orchestra en demostra-ción de lo que este Maestro ha significado para la música contemporánea. Es un trompetista formidable y estuvo presente en la tercera versión del Festival de Jazz de Punta del Este. Todos lo recuerdan. Nacido en Rio de Janeiro en 1946 ha sido uno de los factores decisivos en la integración del jazz con elementos pop y ritmo brasileño. A los 20 años ya es finalista en la International Jazz Competition de Viena. Continúa sus estudios en el Berklee College y pasa de Boston a Nueva York donde toca y graba junto a Joe Henderson, Charlie Rouse, Herbie Mann, Tito Puente, Paquito D’Rivera y McCoy Tyner. A partir del 89 es miembro frecuente de la Dizzy Gillespie’s United Nation Orchestra, efectúa un tour con The Jazz Masters y toca junto a Slide Hampton en memorable homenaje a Gillespie. Sus trabajos para la Symphonic Bossa Nova con Ettore Stratta y la Royal Philharmonic le ganaron una nominación para el Grammy en 1995. El vigor y el lirismo en extraña combinación, de la trompeta de Claudio Roditi lo señalan como uno de los sonidos más singulares del fin de siglo.
Es la sexta vez que participa en el Festival Internacional de Jazz de Punta del Este "en el Tambo", es uno de los principales difusores en el hemisferio norte y un factor importante en la continuidad y creciente éxito del Festival. Una vez más, actuará como director musical, obviamente será una de sus estrellas y participará el viernes 5 de enero, en el homenaje a "George Gershwin", junto a su esposa, la cantante lírica, Brenda Feliciano, lo que demuestra que El Sosiego, es para los D’Rivera casi un fenómeno de familia. El domingo 7 de enero cerrará este ciclo de conciertos con el "Tributo a Dizzy". Todos conocen a Paquito y saben de su simpatía y su carisma, pero es de rigor repetir sus datos biográficos y su trayectoria musical. Nació en La Habana, el 4 de junio de 1948, en fecha que marca de entrada el entronque que tendrá luego con USA, su segunda patria. Fue un chico prodigio que comenzó a estudiar a los 5 y dos años después ya firmaba contrato con la legendaria compañía Selmer. A los 12 entra en el Conservatorio de La Habana donde se gradúa en saxofón y clarinete. En 1965 comienza como solista en la Orquesta Sinfónica Nacional de Cuba y en 1967, junto al pianista Chucho Valdéz, funda la renombrada Orquesta Cubana de Música Moderna. Dos años después ocho de los jóvenes más aventureros de la orquesta fundan "Irakere" una explosión de jazz, rock y música clásica que causa sensación en el Festival de Newport de 1978 y es la cuña que implantan en el Festival de Montreux. Hace historia como los primeros cubanos post Castro que graban para la American Label. Sin embargo, en 1980, D’Rivera está insatisfecho con el contraste que se produce entre la magia de su música y la realidad de Cuba y pide asilo en 1981 en la Embajada Americana, dejando a su país para siempre. A su arribo a Nueva York lo esperan el apoyo de Dizzy Gillespie, David Amram, Mario Bauza y Bruce Lundvall. Se gana en forma acelerada el respeto de los músicos americanos y estalla el fenómeno Paquito D’Rivera. Sus dos primeros álbumes como solista son "Paquito Blowin", de 1981 y "Mariel", de 1982. Hoy su discografía supera los veinte títulos y es el principal introductor de los ritmos latinoamericanos (desde Cuba al Caribe, desde Venezuela a la Argentina, desde Brasil a Perú) en el jazz del Norte. Ese es el lenguaje del latín jazz y es él su principal luminaria. El saxo alto y el clarinete hacen un músico insustituible de Paquito D’Rivera. Cuando Paquito no está de gira compone música clásica, de cámara y por supuesto jazz. Anda en su segunda novela ("Mi vida saxual") y viaja por el mundo con su quinteto de jazz, con su trío de música de cámara "Triángulo" y con la United Nation Orchestra. El año pasado hizo presentaciones como artista invitado en la Klüver Big Band, tocó con Clark Terry, concretó una gira por las Universidades norteamericanas, tocó en Alemania, participó en "Sonidos del Caribe" con la Orquesta Sinfónica Nacional en un programa que Paquito tituló "Homenaje a Lecuona y Gershwin". Repitió en formato más pequeño lo mismo con Dave Samuels. Hizo una gira por Europa e Israel con la United Nation Orchestra. En agosto terminó su suite de cámara "Rivers". Y por supuesto ganó el Grammy que se merecía.
Es la tercera vez que se presenta en el Festival de Jazz en El Tambo, siempre con grupos distintos. En la primera oportunidad lo hizo junto a Andy Narell en el famoso "The Caribbean Jazz Poject" que el impulso de Paquito D’Rivera paseó por varios continentes. El mismo que lo trajo como invitado la segunda vez donde profundizó la huella que había dejado. Nacido en Chicago, Dave Samuels es el ejecutante "Top Mallet" de su generación. Empezó sus estudios en el piano y la batería a muy temprana edad y muy pronto integraba grupos avant – garde como "Double Image", "Gallery" y "Skylight Trio". Su acceso a la fama fue muy rápido gracias al fresco sonido y los aportes creativos que le hizo a la marimba y el vibráfono. En 1974 ya formaba parte del sexteto de Gerry Mulligan e iniciaba una carrera de actuaciones y grabaciones al lado de nombres como los de Oscar Peterson, Chet Baker, Stan Getz, Carla Bley, The Yellowjackets, Pat Metheney, Bruce Hornsby, Frank Zappa, The Fantasy Band y the Caribbean Jazz Project. Durante su larga asociación con Spyro Gyra, que se alargó desde 1977 a 1994 llegó a efectuar veinte grabaciones. Y ha sido, además, nominado al Grammy en numerosas ocasiones. Entre sus mejores ediciones se encuentran "Living Colors", "Ten Degrees North", "Natural Selection" y "Del Sol". En el sonido de "Caribbean Jazz Project" aparece ya con Paquito D’Rivera en el saxo y clarinete, y Andy Narell el músico que lleva "stell pans" a su perfección. Voverá a estar junto a Narell, y a Danilo Perez en "Del Sol". Y lucirá el regocijo de su estilo en conjuntos donde están Chick Corea, Eddie Palmieri, Clare Fischer, Ray Barreto, Michael Wolff y Karl Perazzo y también junto a actuaciones con Dave Valentin y David Sanchez. Pero es Paquito uno de sus socios preferidos.
Este legendario baterista ha tocado junto a los grandes maestros del jazz: Louis Armstrong, Lester Young, Charlie Parker, Bud Powell, Thelonious Monk y John Coltrane. Nacido en Boston, Massachusetts, Haynes arribó a Nueva York en la era del be-bop y rápidamente empezó a difundir su swing al lado de notables como Louis Russell. El tocó con el innovador saxofonista Lester Young por dos años y luego frecuentó a Powell y a Parker. Mantuvo un estrecho relacionamiento con "Bird". "Oh, hombre, ese fue un "thrilling" período dice cuando lo recuerda. Haynes recaló con el Quinteto de Parker en los tempranos Cincuenta en los café society de Greenwich Village. El tocaba como contrapunto del pianista Art Tatum y el propio Parker decía que ese duelo musical era una de sus mayores inspiraciones. A finales de esa misma década repitió performances con Monk y más tarde apareció en el cuarteto de John Coltrane que dejó el recuerdo de "At Five Spot", una de las mejores grabaciones de mediados del siglo pasado. Los trabajos con Coltrane se repitieron y de esa época es el registro de "Newport 63". En el 88 Haynes recibió el Grammy por "Blues For Coltrane", una grabación en la que actuó junto a David Murray McCoy Tyner, otro conocido de Lapataia. Más tarde Haynes colaboró con Chick Corea en varias oportunidades y con el guitarrista Pat Metheny con quien hizo una gira por España en 1993. En casi todas sus actuaciones él ha sido el lider de las bandas, desde "Hip Ensemble" hasta "The Haynes Quartet". Su carrera ha estado tachonada de premios – todos los existentes – entre los que figuran su inclusión en el Jazz Hall of Fame y la "Orden de Caballero de las Artes y las Letras" que le concedió Francia, donde justamente hizo famoso "When It’s Haynes It Roars", un clásico.
No tiene necesidad de ser presentado, fue uno de los cuatro pianistas que asombraron a todos los oyentes de ese tremendo impacto que causó el Cuarto Festival de Punta del Este. "Central Avenue", uno de sus últimos éxitos lo ha vuelto una celebridad, lo mismo que "Panama Blues". Para Jelly Roll Morton el arma secreta del jazz era "el matiz latino". El dueño de esa poderosa arma, es el panameño Danilo Perez. Es uno de los pianistas líderes de la nueva generación. "Panomonk" grabado en tal sólo un día y medio y una especie de homenaje a Thelonious Monk (Danilo fue el semifinalista de la competencia que lleva el nombre de este músico, en 1989, en Washington) figuró entre los diez mejores álbumes de jazz en las listas de las publicaciones especializadas, pero también en los grandes diarios de Estados Unidos desde el Nueva York Times de Miami Herald. El New York Times se refirió a la habilidad de Danilo para conectar la música de Monk con el swing, el beat de segunda línea de Nueva Orleans y los patrones rítmicos afro-cubanos calificándolo de "obra maestra de síntesis". Nacido en Panamá en 1966 empezó a estudiar con su padre, cantante y director de una banda, siguió en el Conservatorio Nacional de Panamá y los terminó en Berklee, en Boston. Mientras finalizaba sus estudios acompañó a Jon Hendricks, el trompetista brasileño Claudio Roditi y se convirtió en el pianista y director musical del Havana – New York Ensemble de Paquito D’Rivera. Su manejo del ecléctico post-bop latino, en el que se centró, se solidificó durante el período de cuatro años, que va entre 1989 y 1992, el que estuvo con Dizzy Gillespie y la United Nations Orchestra. Su grabación "The Journey" lo colocó entre los diez mejores de 1994. Su actuación junto a Wynton Marsalis en la inauguración de los juegos Olímpicos de Atlanta y su participación como invitado especial en el Baile Inaugural del Presidente Clinton amplificaron su celebridad a niveles poco comunes. Compositor de la música de la película "Hugo Pool", también la interpretó y su padre cantó en la banda de sonido. Danilo Perez también compuso mucha de la música para la película europea "The Winter in Lisbon" protagonizada por Gillespie. Y toca el piano en la canción tema de la serie de T.V. que impuso Bill Cosby. Danilo Perez es profesor actualmente de improvisación y jazz en el Conservatorio de Música de Nueva Inglaterra.
Para el "Time" es el más promisorio y versátil bajista desde Charles Mingus. Para la totalidad de la crítica es uno de los bajistas más importantes de su generación y su presencia reforzará con enorme brío la actuación del Trío de Roy Haynes que junto con Danilo Pérez se presentarán el viernes 5 de enero en la "Noche de United". Nacido en Philadelphia en 1972 fue influído inicialmente por su padre, Lee Smith, y su tío, Howard Cooper, todos miembros avant-garde de su época. Después de efectuar estudios clásicos en la Philadelphia High School for the Performing Arts y luego con Neil Courtney de la Philadelphia Orchestra terminó becado para la Julliard School of Music de Manhattan. Ha tocado prácticamente con todo el mundo. El listado incluye a Kathleen Battle, Ray Brown, Betty Carter, Paula Cole, Chick Corea, Bruce Hornsby, Bob James, Chaka Kahn, D’Angelo, Diana Krall, Wynton Marsalis, Pata Metheny, Joshua Redman, David Sanborn y Wayne Shorter y ha aparecido con ellos en decenas de grabaciones. Fue también un recordado integrante del trío "Superbass" junto a Ray Brown y John Clayton. Y su trabajo para Verbe en otro trío formado con el trompetista Nicholas Payton y el guitarrista Mark Whitfiel sobre la música de Herbie Hancock resultó un logro insuperable. En realidad sus registros en "Gettin’To It" y "Number Two Express" le valieron una avalancha de adhesiones que aceleraron los éxitos de su carrera. La Rockefeller Foundation y la National Endowment for the Arts lo han distinguido por sus aportes al jazz y al gospel y fue el invitado especial en el Lincoln Center cuando Wynton Marsalis estrenó "Blues in Alphabet City". Su labor como compositor y como docente en el Berklee College adensan el perfil de Christian McBride como una de las figuras más interesantes del nuevo milenio.
Después de años de grabar para GRP, el flautista Dave Valentin debutó para Concord Vista con "Sunshower", para muchos el momento en que el estilo del músico adquiere su mayor nitidez. Combina el sonido excitante de la flauta con lo funky, lo tropical, lo latino y alcanza una de los grandes momentos del jazz contemporáneo. Lo acompañan como invitados en la emergencia Dave Samuels, Steve Khan y Ed Calle, además del percusionista Rafael del Jesus. Su experiencia de diez años con el pianista Bill O’Coneel, el bajo Ruben Rodriguez, la batería de Robbie Ameen y el percusionista Milton Cardona habían ensanchado su eclecticismo. Dave Valentin toca latin jazz, tango y otros estilos con la misma pasión y ductilidad. Nacido en Nueva York tenía cinco años cuando en su casa sus padres tocaban música latina con gente de la altura de Tito Rodriguez, Tito Puente y Machito. Empezó a estudiar percusión y recién en la High School of Music and Art se inclina por la flauta al entusiasmarse con una compañera. Ella queda por el camino pero la flauta lo acompañará por siempre. Tomó lecciones con Hubert Laws y música clásica con Hal Bennett. En determinado momento su versatilidad lo inclina al aprendizaje del saxo pero Laws logra convencerlo que debe concentrarse en un solo instrumento si quiere alcanzar un sonido que lo distinga. Lo alcanza y de una manera deslumbrante. Trabaja con Tito Puente, toca con McCoy Tyner, participa en el 70 cumpleaños de Dizzy Gillespie en el Wolf Trap junto a invitados de la categoría de Machito, Ray Barretto, Celia Cruz y Michel Camilo. Graba 18 álbumes como lider para la GRP antes de pasar para Concord Vista. Es un flautista de excepción. RAUL MIDON La crítica norteamericana de Miami lo ha catalogado como la mejor voz de la música actual y paralelamente es el gran parámetro de la música Latina. Su contacto con nombres muy populares de los renglones pop pueden llamar a confusión, pero Raul Midon, como se le conoce, es un cantante excepcional. Ciego de nacimiento, igual que un hemano suyo, su padre y unos amigos tenían un show de baile flamenco y fueron quienes le enseñaron a tocar la guitarra y empujaron a Midon por el camino del tango, el flamenco, el blues y el jazz. A éste último lo descubrió cuando manejaban un pequeño programa radial y al quedarse sin discos, pusieron con su hermano un material del stock de su padre y tropezaron con Miles Davis. Ese sonido le cambió la vida a Raúl. Y lo llevó a trasladarse desde un pueblo rural en Nuevo México, donde nació, a Miami para estudiar música en su Universidad. En poco tiempo este hijo de argentino cayó rápidamente bajo la influencia de Lenny Breau, Miles Davis, James Taylor, Joni Mitchell, Donny Hathaway, Brian Mcknight, Lauryn Hill, el eclecticismo del guitarrista brasileño Alberto Gismonti, Thelonious Monk y Sheryl Crow. Fue Rudy Perez quien descubrió su enorme potencial y lo llevó a los predios de la multinacional BMG para su primera grabación, "Gracias a la Vida", donde apenas insinúa su formidable talento. Ha sido Midon el que ha armado los coros musicales (y dado el apoyo total justo) a cantantes como Julio y Enrique Iglesias, José Feliciano, Cristian Castro, Ricky Martin y Shakira. Estas últimas referencias demuestran el grado de su influencia en el gran mercado latino pero no deben contabilizarse en el momento de efectuar el verdadero perfil de Midon. El verdadero perfil es el formidablemente melodioso swing entre latino y jazzístico de un cantante excepcional que Paquito D’Rivera eligió para integrar el homenaje a Gershwin que United Airlines arma en este Festival de Punta del Este. Raul Midon parece salido de las imágenes, y el sonido, de Buena Vista Social Club.
"Ella tiene una fuerte y opulenta voz de soprano que se introduce con intensidad y habilidad en el mundo del blue y de la música popular sin perder la integridad acuñada en otras disciplinas" dice de Brenda Feliciano el crítico del Washington Post. Nacida en Puerto Rico es una presencia creciente en el área bilingüe del jazz y de la música clásica, además de actriz. Ha trabajado muchas veces con importantes orquestas sinfónicas, incluyendo la National Symphony Orchestra en el Kennedy Center bajo la dirección de Leonard Slatkin y ha sido artista invitada de la Orquesta Simón Bolivar de Venezuela en una celebración del centenario de George Gershwin, con una selección de "Porgy & Bess". Más recientemente ha estrenado una pieza para ocho instrumentos y soprano compuesta por su esposo Paquito D’Rivera y participó en "El Amor brujo" de Manuel De Falla con la Nueva Filarmónica de New Jersey. Solista regular del Bronx Arts Ensemble Orchestra ella ha cantado obras de Villalobos, Ginastera y Gustavino en un programa dedicado a compositores latinoamericanos y el papel de Marta Gruni en la premiére estadounidense de la ópera-tango de Jaurés Lamarque Pons. Como actriz ha actuado en obras de Menotti, zarzuelas de Vives, la opera "Los Jibaros Progresistas" de Manuel Gonzalez y como co-estrella de Raul Julia en una pieza de Shakespeare. Es una actriz versátil y una vocalista de jazz de sorprendentes dotes.
EL ENSAMBLE DE PERCUSION DE MONTEVIDEO Y JORGE CAMIRUAGA
El Ensamble de Percusión de Montevideo (Perceum) nació en 1987 en el seno de la Escuela Universitaria de Música bajo la tutela de Jorge Camiruaga. Integrado por el propio Camiruaga y Ricardo Gomez Antonich, Andres Morón y Marcelo Zanolli el grupo ha desarrollado una intensa actividad en Montevideo y el interior del país, en la Argentina y Brasil y ha sido invitado a varios Festivales desde Campinas a Guanajuato. A lo largo de estos años Perceum ha tocado bajo importantes directores y con notorios solistas. La lista incluye a Murray Wynton, Ney Rosauro, Angel Frette, Mircea Ardeleanu, Jan Williams, Bernhard Wulff y William Moersch. Además ha participado en los ciclos de Conciertos de la Banda Sinfónica Municipal de Montevideo bajo la dirección del Maestro Miguel Pose. Entre sus tareas últimas figuran los trabajos de edición de un CD con composiciones de Leo Masliah, Jaurés Lamarque Pons, Daniel Maggiolo, Graciela Paraskevaídis, el argentino Mariano Etkin y el norteamericano John Cage. Jorge Camiruaga: El Director Artístico de Perceum es timbalista de la Orquesta Filarmónica de Montevideo y Profesor Titular de la Cátedra de Percusión de la Escuela Universitaria aparte de conducir su Grupo de Percusión. Estudió con Roberto Serrentino, Luis Alberto Perez, Nestor Astutti, Jan Williams y Rolaand Kohloff. Completó esos cursos de percusión con otros de composición y análisis con Hector Tosar. Como compositor ha creado piezas para los ciclos de conciertos de Núcleo de Música Nueva y para numerosas obras de teatro. En 1985 y 1987 recibió por esta última actividad dos Florencio Sánchez. Ha sido solista en obras de Darius Mihaud, Rob Waring, Stockhausen, Xenakis, Feldman y Carlevaro entre otros. Intervino en el Festival Inventionen ’94 en Berlín como integrante del Robyn Schulkowsky Percussion Proyecto y en el Festival New Music America en Buffalo, aparte de varios Encuentros Latinoamericanos.
Nacido en Buenos Aires el 28 de junio de 1962. Vive en la ciudad de New York. Estudios de Composición, Orquestación, Armonía y Contrapunto en la Universidad Católica Argentina. Graduado de la Berklee College of Music de Boston con especialidad en Film Scoring. Estudios particulares con Jerry Bergonzi, Charlie Banacos, Donald Brown y Fred Hersch. Miembro del Cuarteto de Paquito D’Rivera y la United Nation Big Band liderada por el mismo saxofonista. Ha grabado y tocado con el Caribbean Jazz Project (D’Rivera-Dave Samuels and Andy Narell), Ruben Blades, Tito Puente, Mongo Santamaria, Hiram Bullock, Dave Valentin, Herbie Mann, Jon Lucien, Lisa Ono, Andy Narell, Dave Samuels, Leny Andrade, Ricardo Silveira y el Gato Barbieri entre otros. Ha actuado en los principales festivales de jazz mundiales como el de Montreaux, Northsea, Montreal, JVCNew York, Nice, Copenhagen, Umbria, etc. Arreglista y compositor para diferentes bandas en la ciudad de New York.
Mark Walker (batería-percusión) comenzó su carrera musical en su nativa Chicago, Illinois, donde rapidamente desarrolló una reputación de baterista versatil y creativo. Ha trabajado extensamente con Paquito D’Rivera, Oregon, Lyle Mays, Cesar Carmargo Mariano, Steve Rodby, Michel Camilo, the Caribbean Jazz Project, Andy Narell, Dave Samuels, Paul McCandless, Ralph Towner, Marc Johnson, Danilo Perez, Claudio Roditi, Fareed Haque, Patricia Barber y muchos otros. Actualmente habita y trabaja en el área metropolitana de la ciudad de New York y graba y viaja con Paquito D’Rivera, Andy Narell, Oregon y Linda Eder. Es también profesor de la prestigiosa escuela Drummers Colective de New York.
Nacido en la ciudad de Buenos Aires, Argentina. Diego Urcola inició sus estudios musicales a la edad de 9 años, en el departamento de música del Colegio Ward del cual su padre Rubén era director. En 1988 se recibió en el Conservatorio Nacional de Música "Carlos Lópes Buchardo" con el título de Profesor Nacional de Música. Luego se trasladó a la ciudad de Boston, EE.UU., en donde gracias a una beca completa de la prestigiosa escuela "Berklee College of Music" recibió allí mismo un diploma de "Jazz Performance" en 1990. En 1991 se traslada a Nueva York, ciudad en donde recide actualmente. Desde 1991 ha trabajado y grabado con músicos de la talla de Paquito D’Rivera, Jimmy Heath, Slide Hampton, Jon Faddis, Winton Marsalis, Joe Henderson y Milt Jackson por nombrar algunos. En 1997 se gradúa en Queens College con un Masters en Jazz Performance.
El bajista Oscar Stagnaro, nacido en Lima Perú, cursó estudios de Música en el Conservatorio Nacional de Música en Lima, durante los años 1975 al 1979. Trabajó extensivamente en grabaciones comerciales apareciendo en más de 100 discos. Fundó junto con su hermano el guitarrista Ramon Stagnaro el cuarteto de Jazz, Lima Contemporánea y trabajó en la Orquesta Contemporánea de Jaime Delgado Aparicio la más importante de esa época. Viajó a USA en el 1979 y estudió improvisación con Jerry Bergonzi y en el Berklee College. Desde entonces es un músico en constante actividad y es uno de los bajistas más versátiles en la costa Este. Gracias a la habilidad y musicalidad de tocar diferentes estilos de Música de las Américas le ha facilitado ser parte de los mejores grupos de Latin Jazz y viajar alrededor del mundo participando en los mejores Festivales de Jazz. Oscar Stagnaro pertenece a la Facultad de Bajo de Berklee College of Music desde 1988, donde enseña clases de bajo y ensambles. Ha presentado a Berklee en la IAJE Jazz Convention 97, 99, 00. Ha dictado Master clases en Perú, Puerto Rico, Costa Rica, España, Alemania, Italia y los EE.UU. Es el Autor del Latin Bass Book que será publicado por Sher Music y que es el libro más completo que trata de los estilos de bajo de Cuba, Brasil, el Caribe y Sudamérica. Su debut como solista es con el CD "Los sueños de Mariella" bajo Songosaurus Records, que presenta música con influencias de Cuba, Brasil, Perú, Venezuela fusionadas con el Jazz.
Nacido en 1934 en Dallas, Texas. Cedar empezó su carrera a edad muy temprana. En un club de Denver entró en contacto con la música de Charlie Parker, Dizzy Gillespie y John Coltrane. Con éste último incluso tuvo la oportunidad de trabajar. Trasladado a Nueva York empezó a actuar con Lou Donaldson, Gigi Gryce, Sonny Rollins y Kenny Dorham antes de hacer su primer tour con J.J. Johnson. Ha hecho varias grabaciones con Kenny Dorham y J.J. Johnson y durante dos años formó parte del sexteto de Art Farmer y Benny Golson. Las siguientes asociaciones lo mostraron al lado de Art Blakey y the Jazz Messengers con quienes estuvo tres años. A finales de los sesenta, principios de los setenta el formó compañía con el bajista Sam Jones y los bateristas Louis Hayes y Billy Higgins, a veces completando sus presentaciones con los saxofonistas Clifford Jordan, George Coleman y Bob Berg. En tiempos recientes ha estado involucrado en empresas de enorme éxito. En los Ochenta formó trío con Ron Carter y Billy Higgins. Paralelamente integró de "Timeless All Stars", un sexteto integrado por Harold Land, Bobby Hutcherson, Curtis Fuller, Buster Williams y Billy Higgings. En años más recientes integró secciones rítmicas con Milt Jackson, Frank Morgan, Dexter Gordon, Jackie McLean y Ernestine Anderson. En 1996 fue la actuación central del Festival de Monterrey con su composición "Autumn Sketches". Sus arreglos para el album "Mystery Lady" le hicieron ganar tempranamente un Grammy a la gran cantante Etta James. Cedar es considerado uno de los pianistas compositores más renombrados de la actualidad.
Williams empezó a estudiar violín a los 6 años y a los 12 ya se había metido en el difícil aprendizaje del contrabajo. Perfeccionista, estudió este último instrumento en el London College y luego hizo un aprendizaje particular con Ron Carter en Nueva York. Ha trabajado con Roberta Klack, Donny Hathaway, Phil Woods, John Klemmer, Bobby Timmons, Barry Harris, Joe Farrel, Linda Hopkins, Cedar Walton, Cap Mangione, Leon Thomas, Van McCoy, Clifford Jordan,Frank Morgan, Elvin Jones, Donald Byrd, Billy Taylor, Herb Alpert, Charlie Rouse, O.C. Smith, Letta Mbulu, Billy Higgins, Archie Shepp, Roland Hanna, Freddie Hubbard, Les McCann, Stan Getz y Abbie Lincoln entre otros. Ha obtenido premios por sus grabaciones de "Le spank" y "Blanckbyrds" y ha sido uno de los intérpretes preferidos de Ornette y George Coleman. Su vastísima labor discográfica lo ha mostrado con Walton, Liberace, Pepper, Baron, Pullen, Jordan, Jackson y Freddie Hubbard y ha aparecido en la televisión junto a Tom Jones y en especiales para Barbara Walters, Johnny Carson, Dick Cavett, Mery Griffin, Soul Train y Positively Black. "Soul is free", "Upfront" y "Rhythm of the Street" son sus CD más famosos.
Alvin Queen nació en 1950 en el Bronx de Nueva York. Su inclinación musical comenzó cuando su abuela lo llevaba a escuchar Gospel los sábados de tarde en la iglesia. Allí aprendió a cantar y a tocar el tambor, su primer paso para ser uno de los grandes bateristas del momento. Su entronque con el blues se produjo gracias a su relación con Ruth Brown. Cuando vio en el Apollo al Cuarteto de John Coltrane supo que su vida había cambiado. Su aprendizaje con la batería empezó en la escuela con Andy Lalino y siendo casi un adolescente trabajó para Art Blakey, Ben Webster y Thelonious Monk y fue un soporte importante para gente como Elvin Jones. Su carrera posterior se aceleró cuando Ruth Brown lo llamó en 1966 para actuaciones que incluyeron temporadas con Don Pullen y Horace Silver. Estuvo un año con George Benson, incluyendo sus apariciones en el Show de Johnny Carson. Luego colaboró con Charles Tolliver, con quien hizo su primer tour por Europa. Su trayectoria posterior incluyó actuaciones con el revolucionario Pharoah Sander y jazzistas del fuste de Mil Jackson, Wild Bill Davis, Leon Thomas, Mercer Ellington, Art Farmer, Jimmy Garrison, Al Grey, Kenny Drew, Eddie "Cleanhead" Vinson, Dizzy Gillespie, Terence Blanchard y Robin Eubanks entre otros. Ha sido un integrante destacado de grupos soul y de gospel y tuvo una carrera famosa en Europa desde un traslado a Ginebra en 1979 donde inició una carrera internacional. Ha trabajado con todo el mundo desde Clark Terry a Wynton Marsalis y tiene una rara afinidad para ensamblar con los músicos de formación más ecléctica.
Para muchos Kenny Garrett le ha dado una nueva dimensión al saxo. Nacido en Detroit en 1960 empezó su educación musical desde muy niño. Su padre es un saxo tenor y el jazz era una constante en su casa. Charlie Parker y John Coltrane fueron sus ídolos de adolescente mientras estudiaba saxo con Bill Wiggins y música integral en la Universidad. En el 78 Kenny tuvo la oportunidad de tocar en la Orquesta de Duke Ellington, conducida por Mercer. Actuó tres años y medio en esa banda. Trasladado a Nueva York en 1982, Garret trabajó en The Mel Lewis Orchestra, actuó junto a Thad Jones e integró el Quinteto de Dannie Richmond. El punto alto de ese momento lo tuvo junto a Charles Mingus. Paralelamente actuaba y grababa con Blakey, con Woody Shaw y con Freddie Hubbard. Le faltaba lo mejor todavía. Miles Davis lo oye tocar, lo contacta y trabaja cinco años junto a Miles incluyendo las grabaciones para la Warner. Aparece así formando parte de "Amandía " y "Dingo" dirigidos por Michel Legrand, y "Live Around The World" y Miles Davis and Quincy Jones: Lives at Montreaux. El permanece junto a Davis hasta su fallecimiento en 1992. Kenny hace su primer disco como solista para Criss Cross y luego opera con Donald Byrd, Hubbard, Mulgrew Miller, Cedar Walton, Wallace Roney y otros. En agosto del 96 la revista Rolling Stone lo llama como el "Hot Jazz Artist" de su generación. Este saxo alto de sonido visceral es además un compositor de impactante lirismo.
Habría que estudiar el mapa genético de New Orleans para ver cómo funciona su producción de trompetistas excepcionales. El joven Nicholas Payton es una especie de heredero de Satchmo y un digno contrincante de Wynton Marsalis (otro coetaneo suyo) con quien integró el grupo de las Tres Trompetas junto a Roy Hargrove. Nacido en un hogar de fuerte tradición musical – su madre es una pianista de música clásica y su padre un notorio bajista, Payton se desarrolló precozmente, estudió en Le New Orleans for creative arts, un lugar por donde pasaron Terence Blanchard, los hermanos Marsalis y Donald Harrison. Más tarde lo hizo con el patriarca de la familia Marsalis, Ellis, en la Universidad de Nueva Orleans donde eventualmente actuó junto a Joe Henderson, Clark Terry y Elvin Jones. A los 19 años ya era la gran promesa y ahora a los 24 ya tiene un lugar ganado entre los grandes. En Payton’s Place, su último CD, desarrolla un estilo casi ígneo junto al pianista Anthony Wonsey, el bajista Reuben Rogers, el saxo Timothy Warfield y el baterista Adonis Rose, quienes ahora lo acompañan en el actual Quinteto. Payton es uno de los trompetistas que ha ganado más joven el Grammy. Quienes lo conocen aprecian no sólo su formidable estilo sino también su rara inteligencia. Debutó con el album "Front This Moment" en 1995 y al poco tiempo ya estaba requerido por el director Robert Altman para aparecer en Kansas City, retrato del legendario trompetista Oran "Hot Lips" Page. En los pasos siguientes grabó con el organista legendario Jimmy Smith, hizo pareja con el bajista Christian McBride y el guitarrista Mark Whitfield para "Fingerpainting: the Music of Herbie Hancock". Y en el 97 por su colaboración con el trompetista Doc Cheatham ganó el Grammy por su versión de "Stardust".
Nominado seis veces para el Grammy, Barron emergió en la última década como el primer pianista del mastream jazz. Coronado como el mejor pianista en los Jazz Awards del 99. Barron fue una de las grandes figuras del Cuarto Festival de Jazz de Punta del Este, en donde dejó un recuerdo imborrable. Su Trío actual lo integra con Rufus Reid en el bajo, con quien ha tocado varias veces, y con la batería de Lewis Nash. La larga carrera de Kenny Barron confirma los costados creativos y experimentales de uno de los pianistas más refinados que tiene el jazz. Nacido en Philadelphia en 1943 es empujado a la música por su hermano Bill, un saxofonista con quien trabajará luego en la Mel Melvin’s Orchestra. A partir de ahí concreta una educación instrumental clásica, como pocos en su generación, con Vera Bryant (hermana de Ray Bryant y madre de Kevin) y con Robin Eubanks. Cuando aparece en la escena neoyorkina tiene en sus inicios a Stan Getz como partnership en historia que tendrá un brillante final en los Ochenta. Kenny Barron tocó con Philly Joe Jones, Yusef Lateef y Roy Hynes antes de graduarse. No bien lo hace parte en 1962 para Nueva York y ya en 1966 aparece formando parte de esa referencia gigantesca que ha sido de Dizzy Gillespie Band. Luego Barron trabaja con artistas de la dimensión de Milt Jackson, Freddie Hubbard y Stanley Turrentine. En 1979 funda Sphere con el saxo Charlie Rouse y otros alumnos de "Monk" como el baterista Ben Riley y el bajista Buster Williams. Compositor reconocido y de gran éxito, Kenny formó posteriormente un quinteto con John Stubblefield, Eddie Henderson, Davis Williams y Victor Lewis. También tocará con el percusionista Mino Cinelu y el violinista japonés Naoko Terai. El sonido suntuoso de su piano se oirá desde una oscura grabación que hizo al lado de Chet Baker (donde Kenny es realmente quien brilla) hasta los momentos culminantes de su asociación con Getz y con Haden. En un duelo memorable con Stan Getz graba "People Time", que conquistará finalmente el Grammy. "Night and the City" donde aparece al lado del bajo Charlie Haden, con quien parece compartir una sorpresiva empatía, es otro de sus puntos culminantes y uno de los recuerdos inolvidables que flotan en el Tridium de Manhattan.
Participó en el Tercer Festival donde el peso de Ron Carter fue tan determinante que quedará para siempre en la memoria colectiva de los uruguayos. Lewis Nash demostró estar a la altura de Carter, lo que es decir mucho. Son viejos conocidos que han trabajado muchas veces juntos, desde mediados de los Ochenta. Nacido en Phoenix, Arizona, en 1958, el baterista Lewis Nash ya integraba grupos de jazz a los 18 en carrera temprana que lo mostró junto a Sonny Stitt, Red Garland y Slide Hampton, entre varios. En el 81 estaba instalado en Nueva York e integraba el trío de la vocalista Betty Carter, con el cual recorrió prácticamente el mundo y obtuvo Grammy y nominaciones. En 1984 se vincula al quinteto y al "nueve" de Ron Carter y posteriormente integra el grupo del saxofonista Branford Marsalis conectándose otra vez al Grammy. Sus pasos posteriores lo muestran en giras por Europa, actuaciones de larga duración con el saxofonista Sonny Rollins, trabajos para el trío de Tommy Flanagan y lucimientos con Stan Getz, Art Farmer, Clark Terry, Milt Jackson, Roland Hanna, Jon Faddis, Toots Thielemans y Steve Kuhn. Es uno de los integrantes que formó cuarteto con Ron Carter en jornada memorable de "Jazz en el Tambo".
Nacido en 1944 en Atlanta, Rufus Reid se traslada a Sacramento, California, donde ya estudia trompeta en la High School. Cuando se gradúa entra como músico en la Fuerza Aérea de los Estados Unidos. Para entonces ha dejado la trompeta para interesarse en el bajo. Cuando vuelve al área civil se marcha a Seattle, donde estudia con James Harnett de la Seattle Simphony. En realidad Rufus es un estudioso permanente que continúa con su aprendizaje en la Olympic Collete de Bremerton y al final en la Northwestern University de Evanston, Illinois donde estudia con Warren Benfield y Joseph Guastefeste. Rufus Reid empieza su carrera profesional en Chicago y la prosigue en Nueva York a partir de 1976 donde trabaja con varios de los maestros del jazz en una trayectoria fulminante que incluye los nombres de Gene Ammons, Kenny Dorham, Eddie Harris, Sonny Stitt, Don Byas, Philly Joe Jones, Thad Jones, Mel Lewis, Dexter Gordon, Bill Evans, Stan Getz, Art. Farmer y Dizzy Gillespie. Rufus actúa y graba con Andre Previn, Kathleen Batlle y St. Lukes Chamber Orchestra en 1992. Ese mismo año tiene dos performances en "Two Faces", el Concierto para solo y doble de contrabajos que compuso Benny Golson para Rufus con la Wayne Chambers Orchestra. Poseedor de un sonido caliente y una extraordinaria técnica se le ha reconocido el toque más personal de los grupos que formó desde Dexter Gordon a Bobby Hutcherson. Sus solos son considerados como inigualables. En las grabaciones "Perpetual Stroll", "Seven Minds" y "Corridor to the Limits" su sonido resalta entre todos.
Clint Eastwood, cuyo gusto por el jazz es un dato público y una cita ineludible en su filmografía lo eligió como autor musical de dos de sus películas "the Gauntlet" y "Bird" donde manejó la herencia de Parker. Es uno de los grandes herederos de Dizzy Gillespie. Jon Faddis es uno de los reyes de la trompeta. Para los entendidos, y eso ha quedado registrado en la prensa más importante de los Estados Unidos es el representante legítimo de una calidad musical, alcanzado por unos pocos, que empieza con Joe "King" Oliver y se continúa con Louis Armstrong, Roy Eldrige y Dizzy Gillespie. Su talento ejemplifica, la mejor continuidad del jazz. Faddis nació en Oakland en 1953. Comenzó sus estudios a los ocho años inspirado por una aparición de Armstrong en el show de Ed Sullivan. Su aprendizaje abarca clases con Bill Catalano, un Jazz Workshop en San Francisco, un curso en el Manhattan School of Music the New York donde tiene como maestros a Gil Evans y Charles Mingus. Su carrera lo ubica al lado de los maestros . Trabaja con Dizzy Gillespie, Lionel Hampton, Thad Jones/Mel Lewis, Charles Mingus. Graba con Oscar Peterson, Frank Sinatra y Clark Terry. Como compositor colabora con el escritor, guionista y director Lee Breuer en la nueva opera de Jazz "Lulu Noire", que gana premios en el Festival de Spoleto y el Festival del American Music Theater de Philadelphia. En "One Night Stand", un especial para la televisión, comparte créditos con Roy Elridge, Gene Krupa, Buddy Rich, Mel Torme y Milt Hinton. Mel Lewis lo califica el mejor trompetista desde Dizzy Gillespie. Con Charles Mingus opera de continuo. Actúa con su sexteto en el Festival de Loosdrecht, Holanda, y otra vez con Mingus en el New York Philharmonic Hall, y una performance en el Radio City Music Hall donde también aparecen Gillespie, Freddie Hubbard, Art Blakey, Tony Williams y Herbie Hancock. Toca para Sarah Vaughan en el Carnegie Hall y forma un histórico contrapunto con Eubie Blake y Dick Gibson en el Colorado Jazz Party. Su curriculum incluye trabajos para las grandes bandas de Gil Evans, Count Basie y Benny Carter. Aparece repetidamente en el show de Bill Cosby. En sus albumes comparte desde Ellington a los Rolling Stones. En el 95 el Carnegie Hall acuña con su banda una integración que dirige Jon Faddis. Repite lo mismo en la orquesta del Lincoln Center Jazz, en el Festival de Newport en su 40 aniversario. Su música y su sentido del humor lo vuelven un invitado permanente de Merv Griffin Show, Tonight Show, Saturday Night Live y David Letterman. Resultó ganador del Grammy en 1999 con su disco "Remembrances" con arreglos de Carlos Franzetti.
La emoción que produjo su trombón todavía persiste, cuatro años más tarde. Fue de las revelaciones puntaesteñas del 97, aunque su nombre resonaba hacía décadas en Estados Unidos y Europa y su vinculación con Dizzy Gillespie lo ha llevado a ser uno de los músicos, como los que actúan en este Festival el domingo 7, que recorren el mundo en un estremecedor homenaje a Dizzy Gillespie. Es un trombón mayúsculo, considerado un maestro por sus colegas más prestigiosos. Compositor, arreglador, instrumentista insuperable, este músico nacido en Pittsburg y formado en Indianapolis proviene además de una familia de músicos y tuvo como tutores a J.J. Johnson y Wes Montgomery cuando era un veinteañero. Su participación en las bandas de Dizzy Gillespie, Art Blakey, Barry Harris, Max Roach, Maynard Ferguson y Thad Jones/Mel Lewis, fue considerada siempre uno de los motivos de éxito de esos grupos. En 1962 forma su propio octeto, junto a Freddie Hubbard y George Coleman, entre otros; acompaña luego a Europa a Woody Herman donde permanece varios años, para regresar en 1977 a reiniciar una brillante carrera como compositor, arreglador, performing y Profesor que incluye la co-dirección con Paquito D’Rivera de la United Nation Orchestra y una larga asociación con Dizzy Gillespie. Es un clásico del Jazz.
Detenta la singular distinción de ser el guitarrista de Dizzy, una distinción obtenida a través de las horas dedicadas al recuerdo de Gillespie, aparte de su vinculación personal. Nacido en New Haven, Connecticut, en 1954, trabajó en bandas de rock y funck antes de llegar al jazz. Según él fue un crecimiento natural si se oye bien a Jimi Hendrix, Eric Clapton y Led Zeppelin. "Con ellos aprendí a querer algo más", dice. Formado en la Berklee School of Music de Boston, su primer trabajo para el jazz como guitarrista fue para George Benson en un especial de televisión. Tocó con Earl Klugh y luego con Gary Burton, pero fue Benton quién centró sus actuaciones en torno a la música de Miles Davis y John Coltrane. Más tarde perfecciona sus estudios con Ted Dunbar y con Bruce Johnson, todo un guru de la guitarra joven y un ser influyente para gente como Marvin Horne, Rodney Jones y Vernon Reid. En 1976 Cherry finalmente se trasladó a Nueva York donde hizo jam sessions con Kelvyn Bell y Jean-Paul Bourelly. En el 78 Cherry fue invitado a tocar para el cuarteto de Dizzy Gillespie, su verdadero mentor. Y fue con la banda de Dizzy que se sumergió en la música latina y la afro-cubana al lado de Mongo Santamaria y Patato Valdez. Entre el 78 y el 83 trabajó frecuentemente con el trompetista Jon Faddis y en los años posteriores se lo vio junto al saxo y compositor Sam Rivers en integraciones donde aparecían Freddie Waits y Bobby Batlle y el bajista David Eubanks. Cuando volvió a la banda de Dizzy en el 86 le recomendó como nuevo saxo a Sam Rivers, para Cherry en el período más brillante del tramo final; Cherry estuvo con Dizzy hasta que este empeorado por su condición diabética, debió internarse en un hospital de Oakland hasta que falleció en New Jersey por un cáncer de páncreas en 1993, dejando de duelo al bebop y al jazz latino. Como homenaje a Dizzy, Ed Cherry le dedicó "First Take".
Bajista, compositor, docente y productor John Lee nació en Boston, Massachusetts (la tierra de los Kennedy) en 1952. Hijo de un ministro metodista, John tuvo una formación temprana en los coros de la iglesia y un padre coleccionista de discos de jazz. Después de su graduación en la Overbrook High School, en Philadelphia, se anotó en la Philadelphia Musical Academy en 1970 y durante ese período de aprendizaje viajaba periódicamente a New York para trabajar en las bandas de Carlos Garnett, Joe Henderson y Pharoah Sanders. En 1972 John fue contratado como bajista en el Cuarteto de Max Roach y poco después se marchó a Europa mientras trabajó con Gary Bartz, Philip Catherine, Chris Hinze, Jasper Van’t Hof. Joachim Kuhn, Charlie Mariano y Toots Thielemans. Con el baterista Gerry Brown grabó su primer solo, titulado "Infinite Jones". Después de retornar a Estados Unidos Lee trabajó para las bandas de Connors. Evans, Henderson y Lonnie Liston Smith. En 1975 formó su propia integración con Gerry Brown. Entre ambos hicieron cuatro albumes, dos para Blue note y dos para Columbia. En ese mismo lapso operó para la banda de Alphonse Mouzo y Gary Bartz. En años posteriores trabajó para Gerry Brown, integró con él y el guitarrista Philip Catherine un terceto, actuó con el Quinteto de McCoy Tyner, estuvo en el Dizzy Gillespie Group en 1984, y actuó con Sonny Rollins, Slide Hampton, Jon Faddis, Claudio Roditi, Larry Coryell, Gary Bartz, Gregory Hines, entre otros grupos. Ha compuesto para the Dizzy Gillespie Alumni All Stars y en programas especiales sobre Dizzy en diferentes áreas.
Para muchos es el gran compositor norteamericano del siglo pasado. Nacido en Brooklyn, Nueva York en 1898, hijo de judíos afincados en América, George Gershwin realizó como compositor y pianista una carrera rutilante que lo llevó finalmente a Los Angeles donde falleció en 1937, convertido en una leyenda irrepetible pese a que no llegó a vivir 40 años. George publicó su primera canción a los 18 años, pero la popularidad le vino a los 21 cuando compuso el delicado tema "Swance" que Al Jolson llevaría a la fama y aumentó progresivamente su notoriedad gracias a la colaboración durante cinco años con George White, el productor de Scandals que competía con los Ziegfeld Follies. Para entonces escribía paralelamente comedias musicales propias y temas inolvidables con "I’ll Build a Stairway to Paradise" o "Somebody Loves Me". En 1921 Gershwin presenta en el "Aeolian Hall", acompañado por una orquesta de 23 músicos dirigida por Paul Whiteman la bautismal "Rhapsody in Blue". Es la consagración definitiva aunque parte de la crítica no la entiende. En los años posteriores estrena con éxito "Lady, Be Good", de la que se extraen canciones como "Fascinating Rhythm" y "The Man I Love", eliminada después del espectáculo y más tarde uno de los temas más populares de Gershwin. En 1926 llega el triunfo rotundo con "Oh, Kay" que alcanzó 226 representaciones e incluía canciones como "Someone to Watch Over Me", "Do, Do, Do", "Clap your hands", "Firdhety Feet" y "Maybee". Tiene altibajos pero aún lo peor suyo se salva por piezas magistrales o recicladas como "Funny Face" que acompaña una pieza insulsa que luego se reelabora. En 1938 aparece otro pilar suyo: "An American in Paris" y en 1930 sobreviene el delirio de "Girl Crazy" que desborda a Broadway con temas como "I Got Rhythm", "Embraceable You", "But not for Me" y "I’m bidin my time" y la presentación de celebridades en el foso de la orquesta como Benny Goodman, Red Nichol, Gene Grupa, Jack Teagarden, Glenn Miller y Jimmy Dorsey. En 1931 Gershwin y su hermano Ira escriben canciones para la película "Delicious" y ese mismo año obtiene por "Of Thee I Sing" un Premio Pullitzer, la primera comedia musical que se lo merece. Para entonces ya está enfrascado en escribir "Porgy and Bess", estrenada en Boston en 1935 donde la gente aplaudía de pie temas como "Summertime" y "Bess, You is my Woman Now" y se convirtió en el gran parámetro de la comedia musical americana de todos los tiempos. En 1936 los Hermanos Gershwin abandonan New York por Hollywood, lo que entre otras cosas depara una brillante asociación con Vincent Minnelli. Un año después George muere a causa de un tumor cerebral. Muchos puristas del jazz lo rechazaron. Sin embargo en acotaciones hechas por su propia letra en las partituras él exigía a los ejecutantes un tratamiento rítmico más cercano al jazz que a cualquier otra forma musical. Esa oposición ya es un bizantinismo, a estas alturas, como lo demostró Miles Davis en su versión de "Porgy and Bess". Su entronque con el jazz brilla en las oberturas de "Oh, Kay", "Girl Crazy" y "Strike Up the Band", la fuerza rítmica de "I Got Rhythm" y "Fascinating Rhythm" y obras como "Rialto Riplles" y "Three Quearter Blues", entre miles de otras cosas. Claro que es una música que escapa a cualquier etiqueta, incluso la grande, lustrosa y emblemática del jazz. Pero hay un largo trecho del jazz que resulta inexplicable sin los aportes de Gershwin.
Nacido en abril de 1928, en Chicago, Illinois, una de las tres grandes cunas del jazz, Johnny Griffin estudió piano desde los seis años y guitarra hawaiana desde los ocho. Pero esos son sólo datos de una formación musical enciclopédica. Este saxo tenor y compositor que causa reverencia a sus colegas también empezó a estudiar lecciones de clarinete en la DuSable High Scholl a los trece años, bajo la dirección del Capitán Walter Henri Dyett, quien fue también instructor de Nat "King" Cole, Gene "Jug" Ammons, Benny Green y otras grandes figuras. Johnny también estudió oboe, corno inglés y saxo alto antes de tocar en las bandas estolares. En junio de 1945 se gradúa e inmediatamente toca con la orquesta de Lionel Hampton. Dos años después toca en el sexteto de Chicago y en el 50 trabajó con Papa Jo Jones y su cuarteto, y en el 51 tocó saxo barítono con el Sexteto de Arnett Cobb, pasó por la Armada y retornó a Chicago ya inserto en el saxo tenor para actuar con Art Blakey’s Jazz Messengers, el cuarteto de Thelonious Monk y junto con Eddie Davis formó un quinteto de enorme éxito durante los dos años que duró. En los años posteriores se fue a Europa en una larga gira, adonde retornó después con "Babs" Gonzales y trabajó con Kenny Drew, Bud Powell, Art Taylor, Kenny Clarke, y durante siete años ancló en Holanda donde funcionó como la gran referencia del jazz. De regreso a Estados Unidos, después de 15 años de ausencia integra un triunfal cuarteto con Dexter Gordon, graba para USA, Europa y Las Antillas. Pocos músicos han tenido una carrera tan internacional como la suya, al mismo tiempo que su reputación crece en su país y toca con los mejores desde Hampton a Dexter, "Griffin" ha tocado con todos los imprescindibles.
El artista de Jazz del año para la zafra 1995/1996 Down Beat Critics Poll & Readers Poll y durante ese mismo período el "Tenor Player of the Year". "Rush Hour" fue el album del año también en esa oportunidad. Y desde 1994 a 1997 por tres veces nominado para el Grammy como instrumentista y por su discografía. La fama rodea a Joe Lovano. Nacido en Cleveland, Ohio, en 1952, Lovano empezó a tocar el saxo alto desde chico. En una profética foto familiar aparece al lado de su madre prendido a un instrumento más grande que él. Su padre, el saxofonista Tony "Big T" Lovano le dio las primeras lecciones y era habitual que practicase con Sonny Stitt, James Moody, Dizzy Gillespie, Gene Ammons y Rasahn Roland Kirk. Siendo un "Teenager" estaba inmerso en la cultura de jam-session de Cleveland, donde los tríos de órgano eran comunes, y hacía giras por Texas. En la high school empezó a absorber el jazz experimental de Ornette Coleman, John Coltrane y Jimmy Giuffre. Egresado de la famosa Berklee School of Music de Boston donde tocó con sus futuros colaboradores John Scofield, Bill Frisell y Kenny Werner, su primer trabajo profesional fue con el organista Lonnie Smith en un recordado debut en Nueva York, estuvo tres años de gira con la Woody Herman Thundering Herd, con la que siguió trabajando en Nueva York en los años siguientes al tiempo que actuaba con la Mel Lewis Orchestra con quien hizo seis grabaciones. En ese mismo tiempo trabaja con Elvin Jones, Carla Bley, Lee Konitz, Charlie Haden y Bob Brookmeyer. Sus pasos posteriores abarcan temporadas con el cuarteto del guitarrista John Scofield, el afianzamiento como lider de la Vanguardia del Village, su obra como compositor, el lanzamiento de "Universal Language", "Tenor Legacy", "Joe Lovano Quartet and the Village Vanguard", "Joe Lovano celebrating Sinatra" donde este saxo tenor confirma su excepcional musicalidad, las grabaciones junto al pianista cubano Gonzalo Rubalcaba y la consagración final del "Trio Fascination" junto a Elvin Jones y Dave Holland. Como dijo recientemente el "Village Voice", "Más que Pavarotti el gran tenor italiano es Lovano" Habla del creador de "52 nd. Street Themes", nada menos.
El pianista argentino Pablo Ziegler nació en 1944 en Buenos Aires, estudió en el Conservatorio de Música de esa ciudad y se perfeccionó con Moreno y Shaljman en la ejecución con Gandini y Kröplft en la composición. A los 14 ya actuaba en grupos de jazz y a los 18 daba conciertos de música clásica. Crea el "Pablo Ziegler Terceto", compone "Polvo de Estrellas", en 1978 pasa a integrar el quinteto del maestro Astor Piazzola y permanece junto a él hasta 1989, trabaja con la cantante italiana Milva y el vibrafonista norteamericano Gary Burton. En 1990 debuta con su "Cuarteto para el Nuevo Tango" y graba "La conexión porteña" su primera composición tanguera para Sony. Ziegler, que actuará con su "Quintet for New Tango" en el Homenaje a Astor Piazzolla del domingo 7 de enero, grabó música de Piazzolla como solista con la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires y "Milonga en el Viento" con la Royal Fhilarmonic Orchestra of London. En 1994 Ziegler cambió el cuarteto y comenzó con el quinteto que incluye piano, bandoneón, guitarra eléctrica/acústica, contrabajo y batería. En 1996 arregló 12 temas de Piazzolla para dos pianos llamado "Los Tangueros" que grabó con el pianista americano Elamnuel Ax. En ediciones posteriores aparece con "Asfalto" y "Tango Romance", participa como director musical de "Tango Magic" en el Carnegie Hall y viaja por todo el mundo con su Quinteto For New Tango.
Tiene 12 años y es lo que se conoce como un niño prodigio. A la edad en que se está para los juegos y cuando mucho para los estudios, este neoyorkino causa asombro con su saxo mientras toca al lado de las famas mayores. Su padre John Han y su madre Luisa descubrieron que la criatura tenía asombrosas aptitudes para la música ya a los 4 años. A los 7 tenía su propio saxo y juraba que quería ser mejor que Charlie Parker. Después de varios años de aprendizaje en casa, Alex Han estudia ahora con Gottfried Stoger en la JCC Thurnauer School of Music, en Englewood. Pero hace tiempo que subió al escenario. Ha tocado junto al vibrafonista Ray Alexander, el percusionista Russ Moy, el bajo Bill Crow, el pianista Rio Clemente. Sus compañeros de turno han sido desde Herbie Hancock hasta Paquito D’Rivera y ha actuado en el Lincoln Center, el JFK de Washington, el Blue Note de Manhattan. Su saxo le valió ser uno de los dos ganadores del USA Arts Panasonic Young Soloist Award, recientemente. Es una presencia inusual para Lapataia y un aporte del todo estimulante.
La crítica norteamericana de Miami lo ha catalogado como la mejor voz de la música actual y paralelamente es el gran parámetro de la música Latina. Su contacto con nombres muy populares de los renglones pop pueden llamar a confusión, pero Raul Midon, como se le conoce, es un cantante excepcional. Ciego de nacimiento, igual que un hemano suyo, su padre y unos amigos tenían un show de baile flamenco y fueron quienes le enseñaron a tocar la guitarra y empujaron a Midon por el camino del tango, el flamenco, el blues y el jazz. A éste último lo descubrió cuando manejaban un pequeño programa radial y al quedarse sin discos, pusieron con su hermano un material del stock de su padre y tropezaron con Miles Davis. Ese sonido le cambió la vida a Raúl. Y lo llevó a trasladarse desde un pueblo rural en Nuevo México, donde nació, a Miami para estudiar música en su Universidad. En poco tiempo este hijo de argentino cayó rápidamente bajo la influencia de Lenny Breau, Miles Davis, James Taylor, Joni Mitchell, Donny Hathaway, Brian Mcknight, Lauryn Hill, el eclecticismo del guitarrista brasileño Alberto Gismonti, Thelonious Monk y Sheryl Crow. Fue Rudy Perez quien descubrió su enorme potencial y lo llevó a los predios de la multinacional BMG para su primera grabación, "Gracias a la Vida", donde apenas insinúa su formidable talento. Ha sido Midon el que ha armado los coros musicales (y dado el apoyo total justo) a cantantes como Julio y Enrique Iglesias, José Feliciano, Cristian Castro, Ricky Martin y Shakira. Estas últimas referencias demuestran el grado de su influencia en el gran mercado latino pero no deben contabilizarse en el momento de efectuar el verdadero perfil de Midon. El verdadero perfil es el formidablemente melodioso swing entre latino y jazzístico de un cantante excepcional que Paquito D'Rivera eligió para integrar el homenaje a Gershwin que United Airlines arma en este Festival de Punta del Este. Raul Midon parece salido de las imágenes, y el sonido, de Buena Vista Social Club.